René Goscinny: 100 años

Se cumplen 100 años del nacimiento del gran René Goscinny. El nacido en París un 14 de agosto de 1926, fue y es un prócer indiscutido del noveno arte mundial, un revolucionario, un adelantado que supo deleitar a infinitos fans y lectores de todo el planeta. De muy joven vivió en Argentina, más precisamente en el barrio de Retiro de la Ciudad de Buenos Aires. Allí se cultivó leyendo, se hizo fan de Patoruzú y hasta cuenta la leyenda que era hincha de Racing cuestión que se relaciona improbablemente con la vestimenta de Obélix. Luego se instaló en New York donde continuó su formación y después en París para consagrarse de manera definitiva. Creó a Astérix, junto a su indispensable compañero de dupla Albert Uderzo, en 1959 para la revista Pilote la cual también fundó. Obras como Iznogoud, Petit Nicolas y Oumpah - Pah figuran entre lo más destacado de su repertorio creativo, pero además fue un actor fundamental para el éxito de Lucky Luke a la par de Morris. Trabajó en la revista Tintin, se desarrolló a su vez como escritor y guionista de cine, una labor inalcanzable que hizo que su nombre ingresara al Salón de la Fama Will Eisner en 2005. Cosechó un renombre incuestionable y monumental, que lo convirtió en un artista primordial de la historieta franco-belga y europea, traspasando fronteras, llegando a ganarse la admiración más el respeto del público y la crítica global. Multipremiado y distinguido alrededor del mundo, en nuestro país su paso por estas tierras dejó una huella imborrable. Acá la editorial Libros del Zorzal es la encargada de publicar desde hace mucho tiempo gran parte de su trabajo. A partir de 2025 se han reunido más de 16.000 firmas para que un sector de la Plaza San Martín en Retiro tenga su nombre y mañana, sábado 15 en la calle Corrientes, se llevará a cabo una nueva edición de "Corrientes 24", un evento con múltiples actividades para rendirle tributo al maestro.

Seguimos repitiendo, después de un siglo, que no hay más palabras que un agradecimiento eterno por tanta magia y entretenimiento que nos dejó a través de su glorioso e inagotable legado. Ahí, en ese Olimpo que habitan los Alan Moore, Jack Kirby, Tezuka, Oesterheld, Will Eisner, entre otros, la figura de René Goscinny tiene un lugar de privilegio. Por 100 años más ídolo y por Tutatis! 

"No tengo ninguna teoría sobre el humor, excepto una cosa muy simple: para mí, el humor es lo que debería hacer reír a la gente".

René Goscinny 

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Evaristo

Cuando a finales de los años 50's el hampa y las grandes bandas de ladrones azotaron las calles de Buenos Aires, emergió la figura de Evaristo Meneses (1917 - 1992). Un policía duro, ex boxeador y que había recorrido el mundo en la fragata Sarmiento. Temido y respetado por los delincuentes, Meneses se ganó la sumisión del bajo mundo delictivo, tenía códigos y no transaba con nadie, aferrado a su filosofía de que el garca siempre confesaba y aunque una parte de la sociedad lo acusaba de coimero, matón y mujeriego, la otra mitad lo idolatraba. Basados en su atrapante figura, el guionista Carlos Sampayo y el mítico dibujante Solano López, se lanzaron a recrear historias cortas y libres de aquel cana legendario. Fueron 16 relatos que aparecieron en las revistas Superhumor y Fierro entre 1983 y 1987, las cuales se produjeron en España y después a distancia cuando Solano se fue a vivir a Brasil. En 1998 Ediciones Colihue lanza por primera vez una recopilación argentina en libro, pero incompleta con 13 de los 16 episodios. Esta casi veintena de historietas en blanco y negro reflejan a la perfección el clima de la época, donde encontramos viñetas plagadas de violencia, disparos, piñas, cabarulos, patrulleros, tango, interminables cigarros, prostitutas, ladrones y chorros de todos los colores. Las tramas planteadas por Sampayo están llenas de elipsis, con seguimientos nada lineales por momentos y que tal vez necesitarían un número mayor de páginas para un desarrollo más claro, pero no por eso dejan de ser impactantes y magníficas. Ahora la verdadera gloria infinita se basa en los extraordinarios dibujos de Solano López. No hay manera de entender lo que hace el ídolo en cada plano y cuadrito, gracias a su memoria excelsa expresa espléndidamente en los innumerables y estupendos rostros cada sensación, lo que se acentúa aún más en los paisajes de la Buenos Aires de la época, las villas, los campos, garitos y bares. Todo, absolutamente todo, en los lápices del maestro eleva la obra a un nivel supremo, convirtiendo a Evaristo en, tal vez, uno de sus mejores trabajos de todos los tiempos. Hay ediciones argentinas dando vueltas aún afortunadamente, entre las cuales es imposible olvidar la clásica de Colihue. Un dato interesante que cabe mencionar es aquel que sucedió cuando Sasturain y Sampayo lograron conocer a Meneses para comentarle del cómic pronto a salir, ahí les sugirió que era "menos gordo y más petiso", entre varias andanzas que además les contó. El documental "Evaristo" (2016), funciona muy bien como complemento de esta gran lectura, fue dirigido por Mariano Petrecca y es sumamente recomendable.

A 15 años de la partida de este plano del genio Francisco Solano López, revisitamos este magistral laburo que hizo junto a Carlos Sampayo y que todo amante del género policial negro seguramente recuerda. Una creación insuperable y fundamental de nuestra querida historieta argentina. ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado!

“Conversando con Sampayo, se nos ocurrió primero una historieta comercial, de serie negra, que era la vena que él tenía. Hicimos algunas pruebas con personajes de carácter internacional, como para que pudiera andar en todas partes, y entonces nos preguntamos: ¿por qué no puede ser argentino? Llegamos a la conclusión de que si el personaje está bien pensado y tiene suficiente fuerza podía estar ambientado en cualquier lugar; si la representación gráfica y el clima de la historia en que se desenvuelve el personaje están hechos con convicción, con propiedad, la historieta va a llegar al lector, aunque no sepa dónde queda eso. Entonces nos mandamos un comisario argentino, un chinazo. 'Y por qué no Evaristo', me decía Sampayo. 'Dale, Evaristo'. '¿Te acordás de Evaristo Meneses?'”.

Solano López

Something is Killing the Children: Volumen 2

Retomamos esta salvaje y genial historia después del ya reseñado, en este espacio, primer volumen para continuar adentrándonos en más y más oscuridad. El vol. 2 continúa al palo, la acción no decae y la violencia extrema tampoco, lo cual nos lleva ante un horizonte cada vez más negro y con pocas esperanzas para los buenos, si es que hay alguno. Las cosas en el poblado de Archer's Peak siguen de mal en peor, el espíritu de la población está quebrado como también así el de sus autoridades porque hay algo que sigue matando niños. Y si teníamos un poco de fe depositada en la joven cazadora Erica Slaughter, esta empieza a desvanecerse porque ella también se encuentra más que desconcertada y el ayudante que le mandó su agrupación, la Order of St. George, es un pusilánime que la va a pasar horrible. A su vez, ahí en los tenebrosos bosques del pueblo los niñatos siguen siendo mutilados, despedazados y entregados a una muerte espantosa.

Esta especie de Stranger Things más extrema y mejor escrita, es una obra tan perturbadora como atrapante y en este segundo volumen el guionista James Tynion IV y el dibujante Werther Dell'edera reafirman todo lo hecho en el tomo anterior. Se suman más climas de horror y desolación que los personajes principales transmiten mediante diálogos crudos y sin rodeos. El color que aporta Miquel Muerto a los vertiginosos trazos de Dell'edera añaden una sintonía justa para tanta barbarie en pasajes de intensa brutalidad. Lo único que me incomodó son las dobles páginas apaisadas que me cortan el ritmo con el que venía, pero nada grave. El tpb reúne del #6 al #10 (2020) de la exitosa colección publicada por Boom Studios y les aseguro que ya necesito seguir con su adictiva lectura. Nos vemos en breve mientras los monstruos del bosque nos dejen enteros. Saludos!

DC Universe Legacies

La historia de Paul Lincoln es la historia de un fan de los superhéroes, de un fan de DC que forma parte de su universo. Desde su difícil infancia en los bajo fondos de Metropolis hasta conseguir ser policía de la ciudad, la vida de este amante de los héroes estuvo marcada por lo que cualquier individuo pasa en la vida, amores, decepciones, dolor, superación y el tratar de ser un buen ciudadano, pero con la particularidad que era testigo de muchos determinantes sucesos en los que estos semidioses surcaban los cielos para salvarnos. Así vio nacer a la JSA, vivió en plenitud la Golden Age de estos personajes y el punto culmine fue el arribo de Superman a Metropolis. Luego también atestiguó el surgimiento de Batman, Aquaman, Wonder Woman, Flash y la creación de la Justice League, más cuando se convirtió en un agente de la ley, logró dar una mano y conocer en persona a sus ídolos. Después Lincoln se casó, tuvo una hija, siguió trabajando, aparecieron nuevos paladines como los Titans, pero al igual que todo en la vida también llegan los momentos difíciles. El mundo se vio amenazado por lo que conocimos como Crisis, se desacreditó a nuestros defensores en Legends, a Batman le rompieron la espalda y lo más terrible, un día El Hombre de Acero murió en manos de un monstruo llamado Doomsday. Y todo se volvió más desgarrador aún cuando la propia esposa de Paul falleció de cáncer, pero un hombre como él, con sus principios y convicciones no se dejaría derrotar fácilmente y con la ayuda de su hija y su amor hacia los justicieros alcanzó su vejez para narrarnos sus maravillosas memorias. Una crónica sobre la perseverancia, sobre no rendirse jamás y ante todo siempre destacar que lo más importante es ayudar a los desprotegidos y más necesitados. Un campeón de a pie que protagoniza un relato excepcional.

La miniserie DC Universe Legacies se publicó entre 2010 y 2011, fueron 10 números (más varias historias cortas incluidas) escritos con maestría por Len Wein y dibujados por un ejército de virtuosos artistas como: Andy Kubert, José Luis García López, George Pérez, Jerry Ordway, Scott Kolins, Dan Jurgens, Jesus Saíz, Dave Gibbons, Joe Kubert, Walt Simonson, Keith Giffen, Brian Bolland, Frank Quitely, Bill Sienkiewicz y Gary Frank, entre otros. Ufff, tremendo dream-team! Pero además de todo el glorioso arte que despliega cada uno de los dibujantes mencionados, hay que destacar el trabajo extraordinario de Wein en el guion. El desarrollo exquisito de los personajes (principalmente el de Paul Lincoln), el laburo de investigación, el ritmo narrativo y hasta por ciertos pasajes una conmovedora prosa, cierran un producto sólido, totalmente disfrutable que es una gran carta de amor a DC, a sus héroes, fans y a su infinito legado. Si querés entender un poco la intrincada historia de la Distinguida Competencia, acá hay un cómic que se la re banca, lleno de pasión, heroísmo y mucho aguante DCista. Aplausos!

"Tengo la oportunidad de contar una historia humana, que siempre ha sido mi tipo de historia favorita. Me encanta escribir sobre personas. Esta es la historia del Universo DC desde el punto de vista de un tipo común y corriente. Se centra específicamente en dos amigos de la infancia y sus vidas a medida que el Universo DC crece a su alrededor y ellos crecen con él. Me gusta ver el Universo DC desde una perspectiva diferente. He estado en él durante la mayor parte de su existencia y la oportunidad de verlo con nuevos ojos, esencialmente, me resultó muy atractiva." Len Wein

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Los 6 viajes de Lone Sloane

Me aventuré hacia una lectura más que desafiante cuando decidí inmiscuirme en las desconcertantes y maravillosas viñetas de "Los 6 viajes de Lone Sloane". ¿El resultado? Una experiencia visual inigualable. Claramente el atractivo principal de este cómic está en el delirio infinito que propone Philippe Druillet en su arte, sus páginas abandonan la estructura tradicional para convertirse en composiciones monumentales donde aparecen ciudades interminables, catedrales espaciales, máquinas gigantescas, criaturas fantásticas y paisajes cósmicos de una escala sobrecogedora. Su estilo mezcla influencias del barroco, el art nouveau, la ilustración ficticia y la ciencia ficción, acompañado por unos colores intensos y psicodélicos que transforman cada plano en una alucinación insuperable. Mientras que su escritura inevitablemente queda apartada hacia un lugar secundario ante los descomunales dibujos que se roban toda la atención. El método poético, simbólico y épico de los textos no busca explicar cada detalle del universo, ni desarrollar una trama convencional, el lector queda sujeto a las sugerencias, los impactos y la estimulación de la imaginación. Los diálogos son escasos y solemnes, a su vez que la historia avanza mediante poderosas imágenes, cambios de escenarios y una constante sensación de misterio.

La primera aparición de Lone Sloane fue en 1966 en "El misterio de los abismos", editado por Éric Losfeld, donde Druillet ya venía mostrando y maquinando ciertas ideas para lo que vendría. En 1971 Los 6 viajes de Lone Sloane comenzaron a ver la luz en la revista Pilote, entre 1970 y 1971, para luego en 1972 ser reunida en un solo álbum por la editorial Dargaud. La saga continuó en parte durante los 70's y 80's, se destacan Délirius (1973) y Salammbô (1981), hasta entrado este siglo con otras publicaciones de menor repercusión.

Este aventurero y explorador del espacio profundo llamado Lone Sloane, es un sobreviviente, un solitario de carácter difícil, que con esta gran historieta vive su más famosa, influyente y representativa andanza de la mano de Druillet. En ella el autor galo alcanza su madurez artística, revolucionando el cómic francés y europeo, cosechando los aplausos más la admiración de la crítica especializada y de colegas como Hergé o Goscinny.

Sobran los motivos para darle una oportunidad a esta obra y entrar al fascinante mundo de Philippe Druillet, en el cual el vértigo y asombro están a la orden del día y las odiseas cósmicas cobran todo el protagonismo en una aventura extraordinaria. De pie señores!

"En aquella época, leía las historias de fantasía heroica, con sus héroes de ojos aterciopelados y grandes músculos, etcétera. Tomé un esquema hiperclásico, con un personaje central. Sloane es un tipo que evoluciona hasta convertirse en un paria, y se hizo cada vez más mi "otro yo", hasta el punto de que decidí conservar el personaje todo cuanto me fuera posible y realizar la fusión más completa posible entre Sloane y el autor." 

Philippe Druillet

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Corto Maltés: Bajo el signo de Capricornio

La identidad que definió la serie comienza a marcarse seriamente desde esta maravillosa obra, me refiero a "Corto Maltés: Bajo el signo de Capricornio". Publicada inicialmente en el semanario francés "Pif" a partir de 1970, estuvo compuesta por 6 historias: “El secreto de Tristán Bantam”, “Cita en Bahía”, “Samba con Tiro-Fijo”, “Un águila en la jungla”, “Volveremos a hablar de aquellos aventureros” y “Por culpa de una gaviota”. Esta media docena de relatos fueron reunidos en un solo tomo por primera vez en 1971 por la editorial Publicness, bajo el título"Sous le signe du Capricorne" y un año más tarde en 1972 tuvo su edición italiana por Mondadori Editore. Luego vinieron las versiones en español y múltiples reediciones en diversos idiomas, en Argentina increíblemente aún no tenemos una tirada local, bochornoso. Acá el maestro Hugo Pratt despliega su enorme talento y lo deja todo, tanto en su inconfundible trazo minimalista capaz de expresar a la perfección cada atmósfera que nos presenta, como en el guion plagado de emociones e inagotables aventuras. Cada una de ellas superándose continuamente a través de una magnífica narrativa elíptica, histórica y también poética. Y cuando se conjuga lo sintético y lo evocativo de sus dibujos con lo atrapante de una trama insuperable, nos encontramos ante un producto glorioso.

Cuando me refería que en Bajo el signo de Capricornio el ídolo Pratt deja la vida es porque así se siente su lectura, desde la afirmación de las hipnóticas características de la personalidad de Corto hasta los climas de las andanzas entre mares, islas y tierras exóticas. Acá navegaremos por viñetas de un blanco y negro exquisito que nos trasladarán hasta Brasil, pasando por la Guayana Holandesa, Venezuela, la Honduras Británica, Amazonas, Belice de las Antillas y un sinfín de ínsulas caribeñas. Ambientado entre 1916 y 1917, este fenomenal cómic no sólo contará con Corto Maltés, sino que adentra en sus páginas a personajes como Tristán Bantam, la bruja y vidente Boca Dorada, Rasputín, el profesor Steiner, Morgana, villanos que provienen de Inglaterra o Alemania y tribus brasileras que conforman un elenco sumamente interesante e imprescindible. No se escatima la acción y Pratt nos da una buena dosis de tiros y piñas, mientras que también hay lugar para pasajes de sueños oscuros y extraños, vudú, tarot, tesoros ocultos, traiciones, interminables cigarros, bebidas espirituosas y diálogos geniales que cierran una historieta majestuosa. En 2003 salió una película animada de producción franco-italiana bajo la dirección de Richard Danto y Liam Saury, con un resultado más que digno.

Bajo el signo de Capricornio es un gran clásico del cómic europeo y del noveno arte en general, una oportunidad imperdible para conocer uno de los mejores trabajos que realizó Hugo Pratt con su entrañable Corto Maltés. Icen velas y a navegar!

"Siempre nos presentan héroes anglosajones, así que quise hacer algo diferente. No había héroes mediterráneos. Quería contar la historia del mundo que conocía, he estado en Brasil, las Guayanas Francesas, Venezuela, las islas del Caribe... Viví con la gente local. En Bahía, viví con las hermanas Dos Santos. Gracias a ellas pude presenciar ceremonias de vudú, macumba y candomblé." Hugo Pratt

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Superman y Spider-Man: Crossovers 2026!!

DC/Marvel: Superman/Spider-Man #1

Luego del renacido romance entre DC y Marvel en 2025 con los decepcionantes cruces entre Batman y Deadpool, este año tuvimos finalmente el reencuentro de Superman con Spider-Man en dos crossovers. El primero fue publicado por DC en marzo y se tituló "Truth, Justice, and Great Responsibility", el mismo estuvo a cargo de Mark "estoy en todas" Waid (guiones) y Jorge Jiménez (dibujos). Obviamente resulta un poco decepcionante no esperar mucho de estos lanzamientos, ya que se venden por fetas sólo para enganchar a los coleccionistas con las infinitas variant covers y el contenido por dentro es bastante flojo. Hay siete historias que acompañan a la principal que, con una segunda leída, pude valorar un poco más. Un guion genérico de Waid, escrito en piloto automático que no logra conseguir un impacto lo suficientemente memorable. Los villanos en cuestión son Brainiac y el Doctor Octopus, que arremeten con un plan paupérrimo. Los dibujos de Jiménez no me gustan, son una mezcla híbrida entre manga de mala calidad y trazos tan desprolijos como sobrevalorados. Pero lo peor es cuando delinea la cara de Superman con los pómulos ruborizados sonriendo como un boludazo, nada épico, nada heroico como debería reflejar el rostro de El Hombre de Acero. Olvidable. Lo mejor que encontré en este cómic es el episodio protagonizado por Jonathan Kent y Ben Parker bajo el título "The Bridge", escrita por Jeff Lemire y retratado como los dioses por Rafa Sandoval. Y la otra aventura que me pareció muy buena es la de Power Girl y Punisher que transcurre en un bar y que está guionizada por Gail Simone y con Belén Ortega en los trazos. Un golazo.

Marvel/DC: Spider-Man/Superman #1

Cuando fue el turno de Marvel (en abril de este año, apenas un mes después de su antecesor), el panorama se vislumbró bastante mejor. Partiendo que el relato principal "Our Kryptonite", es claramente superior a lo que asistimos en lo reseñado más atrás. El cómic está escrito por Brad Meltzer y en el arte Pepe Larraz, una dupla que plantea un producto profundo, que toca otras fibras de lo que significa ser un héroe y sin necesariamente volverse meloso, porque la tensión está presente y la inevitable acción también. Pero bien conducido, todo esto redondea una ficción muy llevadera desde su narrativa que se amalgama de forma natural con los buenísimos dibujos de Larraz. Redondito. Acá asimismo hay otros 7 crossovers, de los cuáles destacan "Metropolis Marvels" ambientada en la Golden Age con Spider-Man Noir y Superman a cargo de Dan Slott (guion) y Marcos Martin (ilustraciones) que la rompe, la divertida "Sweethearts" con Gwen Stacy y Lana Lang comandadas por Joe Kelly y Humberto Ramos, el maravilloso laburo de Gary Frank en "Identity War" con Geoff Johns en los argumentos y por último lo hecho vistosamente por Phil Noto en los dibujos de "Remarkable" con guion de Stephanie Phillips. Es obvio que si me tengo que jugar por uno de los dos team-ups, mi elección se va por el editado por Marvel que es mucho más sobresaliente que el otro bodrio.

No sabemos con seguridad si vendrán próximas colaboraciones o no entre ambas editoriales, sus números de ventas dictarán el veredicto para el futuro, por el momento creo que así está bien por ahora. No se puede pretender demasiado en este tipo de material que están, desafortunadamente, apuntados a vender tapas y a ser coleccionados como trading cards, en vez que como cómics de índole que enmarcan excelencia a la hora de su lectura. Los viudos que rememoramos con cariño el boom de los crossovers que DC y Marvel mantuvieron en los 90's agradecemos estas publicaciones y nada más. Ahí se ven!

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Thor: For Asgard

Me autoimpuse como excusa el cumpleaños del groso de Simone Bianchi para entrarle a este cómic. La obra en cuestión es "Thor: For Asgard", una miniserie de 6 números publicada por Marvel entre 2010 y 2011, bajo su sello Marvel Knights. Vamos a descartar ahondar en el inconducente y aburrido guion escrito por Robert Rodi, que realmente es un bodrio repleto de subtramas que nunca se resuelven y que vuelven a la historia tan confusa como tediosa. Si bien el tono solemne que se aprecia en los diálogos va muy bien con la mitología de Asgard y sus protagonistas, sólo por momentos hay algo de ritmo y muy escaso entretenimiento. Pero lo que verdaderamente vale cada minuto su lectura es el arte de Simone Bianchi, que la descose página tras página dejándote extasiado por tanto talento desperdigado con maestría. El ídolo nacido en Italia da cátedra de anatomía, de paisajes, de rostros perfectos y contornos que se ven increíbles. La conjugación de los asombrosos planos autoentintados por parte del italiano, cierran y elevan su estilo pictórico a un nivel sobresaliente. Tan supremo es cada trazo que se banca sin ningún problema el latoso relato que no le hace justicia ni por asomo al dibujante. La atmósfera de dioses y guerreros nórdicos se refleja con suma destreza rindiéndole un majestuoso tributo a Thor y su leyenda, posicionando a este cómic como una de las aventuras de Thor mejores dibujadas de todos los tiempos. Viñetas y viñetas dignas de enmarcar en un cuadro para cautivar la vista con secuencias que enaltecen el noveno arte a pura sublimidad. Feliz cumpleaños maestro y gracias por tanta genialidad artística.

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Tintin: El asunto Tornasol

Este 2026 se están cumpliendo 70 años de la publicación de uno de los mejores álbumes del querido Tintin, me refiero a: "L'Affaire Tournesol" (El asunto Tornasol). Inicialmente fue serializado en la revista Tintin desde diciembre de 1954 a febrero de 1956 para luego, también en 1956, ser editado en formato álbum por Casterman. Conformó el volumen 18 de Les Aventures de Tintin y uno de los mejores de su trayectoria, en el cual Hergé (acompañado de su equipo de asistentes), se luce de principio a fin. Plagado de maravillosos diálogos, este cómic fundamental del entrañable reportero, sigue sus aventuras junto a su inseparable perro Milú y el capitán Haddock, quienes tienen que rescatar al profesor Tornasol. El afamado y distraído científico ha creado un poderoso dispositivo ultrasónico que despierta el interés de las malévolas autoridades de los países ficticios de Borduria y Syldavia, quienes mandan a sus matones a secuestrar a Tornasol. La ciudad de Ginebra asimismo será escenario de los interesantes sucesos llenos de espionajes, misterios y mucho entretenimiento. El debut de Serafín Latón y la aparición de Bianca Castafiore, destacan como protagonistas secundarios del relato, mientras que la mansión Moulinsart de igual manera será determinante como locación de la acción. Bajo un clima latente de la Guerra Fría, el genio de Hergé supo reflejar a la perfección, tanto en las estéticas de sus excelentes dibujos como en el carácter de los villanos, toda la tensa atmósfera de la época. Hay referencias a la Segunda Guerra Mundial (algo no muy común en las historietas de Tintin), a Fangio, a Walt Disney, entre otras. Una obra aclamada por la crítica que se sigue leyendo muy bien, aún hoy 70 años después, y que es todo un deleite visual de la bande dessinée donde Hergé despliega su infinito talento. Si querés comenzar a conocer el fabuloso mundo de Tintin y de la historieta franco-belga "L'Affaire Tournesol" es una puerta de entrada gloriosa. Chapeau!

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The Man of Steel, 40 años

"Espero que te quedes con nosotros y con Superman durante los años ochenta, noventa y, con suerte, en el siglo XXI. ¿Quién sabe? Es posible que, dentro de 30 años, alguien se siente delante de su computadora para escribir que Superman empezó con una miniserie titulada The Man of Steel que supuso su introducción en un mundo maravilloso y fascinante que duró toda una vida.

¡Puede que ese alguien seas tú!"

John Byrne

Vaya proféticas y movilizantes que me resultaron estas palabras del colorado barbado, ya que me encuentro haciendo tal cual lo que predijo en el texto que se publicó en el #1 de The Man of Steel. Y es que no es para menos, porque estamos celebrando los 40 años de tal vez el mejor cómic que se produjo de Superman y en El Bodegón empezaron los festejos!

A mediados de los 80's, luego de Crisis on Infinite Earths, DC tenía como desafío en el horizonte no muy lejano, relanzar sus series y personajes principales. Esta iniciativa dio como frutos joyas tales como el Dark Knight Returns de Miller, Wonder Woman de Pérez, Flash de Mike Baron o el Suicide Squad de Ostrander y obviamente Superman, el ícono indiscutible de la editorial, también se vería inmerso en dicha renovación. El elegido para llevar a cabo tan fundamental tarea fue John Byrne! El nacido en Inglaterra venía de salir de Marvel, donde ya se había consagrado por sus trabajos en Fantastic Four, X-MEN, She-Hulk, entre otros. Ahora su paso a la vereda de enfrente significaba realmente todo un desafío al tener que hacerse cargo de reescribir al superhéroe más grande de todos los tiempos. Luego de acordar detalles con Dick Giordano, el editor Andy Helfer y la presidenta Jenette Kahn, se dio luz verde al proyecto. Este novedoso comienzo sería en 1986 a través de una miniserie de 6 números titulada: The Man of Steel.

El plan de Byrne consistía en cambiar casi por completo la mitología de Superman y todo su contexto, llegó a armar una lista de "exigencias imposibles" que contenía cambios bruscos para lo que vendría y curiosamente fue aceptada casi en un 99% para sorpresa del autor. Así fue metiendo mano con flamantes versiones de lo que rodeaba a Superman, desde sus orígenes, Krypton, bajarle un cambio a sus poderes, una nueva personalidad, su relación con Lois, un original enfoque a su vínculo con Batman, sus padres terrestres, eliminar a Superboy y más. Lex Luthor mostró una fresca faceta de celebridad sobresaliente de Metropolis, algo en lo que tuvo mucho que ver Marv Wolfman y sirvió para ayudar a Byrne. Pero curiosamente no todo fue color de rosa, porque si bien hoy 40 años después de su lanzamiento, seguimos considerando que The Man of Steel está entre las mejores historias del kryptoniano, Byrne nunca se sintió apoyado ni defendido por DC de las feroces reprobaciones que recibía por parte de la crítica especializada. Sumado esto a que la mayoría del fandom también lo defenestraba, luego de dos años al mando de los títulos de Sups, el barbeta daría el portazo definitivo y se iría a la mierda. Nunca pudo recuperarse de los comentarios negativos que se vieron reflejados en el número de la revista Time, aquel que celebrara el 50 aniversario de Superman, un punto de quiebre sin retorno para el artista.

Lo cierto es que The Man of Steel es una creación trascendental, no sólo del género de superhéroes, no sólo de Superman, sino del noveno arte entero. Porque todo lo que conocemos hoy de Superman, su identidad, su legado, su apariencia y su posicionamiento definitivo como el más importante personaje de DC, se lo debemos a esta maravillosa miniserie. Una narración mítica, escrita muy bien y dibujada aún mejor por un autor que estaba en una plenitud total y que lo dejó todo para quedar en la historia a través de un cómic inolvidable y primordial. Un producto que por estas tierras pegó muchísimo por aquellas queridas ediciones de Perfil, Zinco o Vid, y que hoy se puede conseguir en diversos formatos que tantas otras editoriales afortunadamente siguen sacando. Cada vez que alguien no sepa por donde comenzar a leer superhéroes, The Man of Steel continúa siendo una entrada gloriosa al mundo del cómic superheroico que re engancha indudablemente. Tantísimos guionistas, dibujantes, cineastas y demás creadores han sido inspirados por esta realización, un ejemplo claro y reciente es la película del 2025 en donde claramente se ven influencias que James Gunn tomó de la obra. Felices 40 pirulos y gracias Mr. Byrne por tan extraordinaria semblanza que nos hizo creer en Superman para siempre. Salud!

"Hay quienes quieren decir que estoy 'Stan Lee-Kirbeando' a Superman, y sí, ya que el ciclo se ha cerrado, y lo que Stan Lee y Jack y Steve Ditko hicieron es nuevo y diferente. En verdad estoy 'marvelizando' a Superman al estilo de los 60's. Mi intención no es la de pensar en hacer a Superman al estilo de Marvel, simplemente pretendo hacer buenos cómics. Serán un poco más maduros y simplemente estoy intentando darle a todo un poco más de grandeza con un sentido mayor de poder." John Byrne

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The Bat-Man: First Knight

Nos trasladamos hasta 1939, año en el que debutó Bats en el icónico Detective Comics #27 y nos ubicamos en una de sus primeras aventuras, esta vez escrita por el legendario Dan Jurgens y dibujada por Mike Perkins. La serie limitada de 3 números se publicó en 2024 por DC bajo su sello Black Label y se tituló "The Bat-Man: First Knight".

Los bajofondos de Gotham siempre fueron una fuente inagotable de maleantes y rufianes de todo tipo de calaña, que cuando eran condenados a la silla eléctrica se creía haber encontrado la solución y la justicia que era necesaria. Pero algo está saliéndose de control, ya que estos malvivientes no mueren completamente en su supuesto destino final, sino que antes de su último suspiro están siendo reclutados (con alguna ayudita policíaca, claro), por un misterioso villano llamado The Voice. Este modifica a los convalecientes bandidos para convertirlos en monstruosos seres que llevarán el caos a las calles de Gotham. Un principiante Batman, que ni siquiera tiene a un Alfred que le de una mano, deberá ganarse la confianza de Gordon y juntos tratar de detener el desastre total, mientras su cuerpo maltrecho es exigido al máximo casi de manera extrema. Amoríos no faltarán y toda el aura oscura que envuelve al Caballero de la Noche se hace presente en un cómic bastante digno.

Un claro homenaje a la Golden Age de Batman es el que produce Jurgens a través de una obra interesante, que cumple sin descollar y que cierra correctamente junto a los dibujos del británico Mike Perkins. El manejo de rostros en primer plano, sus destellos pictóricos y los muy logrados usos del negro, reflejan la atmósfera adecuada que este cómic noir requiere y los tremendos colores aportados por Mike Spicer hacen el resto. Ya hay una secuela producida por la misma dupla: "The Bat-Man: Second Knight", la cual salió entre 2025 y 2026, también de 3 números, veremos que tal más adelante. Dale una oportunidad si sos fan del murciélago y posiblemente pases un buen momento recorriendo sus primeros años como justiciero, hay acción, un tono dark muy bien logrado por Dan Jurgens y además... está Batman! Pase el que sigue.

"Cuando apareció por primera vez, no había Batmobile, ni Batcave, ni Alfred, ni sistema de apoyo, y mucho menos una familia entera de héroes de Batman reunidos en la Batcave intentando decidir quién haría qué. Era Batman, y solo Batman, sin mucha tecnología. La única ventaja que podría haber tenido fue que era la Gran Depresión y, como Bruce Wayne, tenía dinero. Así que no estaba haciendo cola para conseguir comida, era alguien que, en teoría, podía hacerlo. Pero, en realidad, se trataba de capturar la esencia de la época, la sensación de cómo era el mundo en 1939, y cómo habría sido este hombre que se embarcaba en lo que, en aquel entonces, habría parecido una misión muy extraña e inimaginable." Dan Jurgens

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Swamp Thing de Alan Moore: Libro Cuatro

El final del grandioso run "American Gothic" de Swamp Thing, se reunió en el cuarto tpb de la serie el cual agrupa del #43 al #50 (1985/1986), que se tituló A Murder of Crows. Episodios impregnados en su totalidad por una oscuridad abrazadora, súper darks en donde Alan Moore da cátedra a través de la parte más sombría de su escritura, incluso se las arregla muy bien para seguir en esa misma sintonía en el #46, crossover de Crisis.

El recientemente debutante John Constantine sigue sin darle las respuestas que Swampy busca, mientras el verdoso protagonista se hunde en aventuras llenas de horror y violencia. Se enfrentará a fantasmas, al asesino The Bogeyman, recorrerá la legendaria Cambridge Mansion de la infame Amy Cambridge, extraños frutos que crecen de su cuerpo impactarán en la vida de desdichadas personas, viajará a Brasil para conocer el Parliament of Tress y se aventurará a tratar de salvar el mundo junto a otros personajes de DC. Un tenebroso culto sudamericano quiere acabar con el mismísimo cielo y la única manera de frenar a la Great Darkness será transitando el reino espiritual al lado de Deadman, Dr. Fate, The Spectre y The Phantom Stranger, en tanto que en el infierno, Etrigan, también se ve envuelto en medio de una batalla demoníaca con consecuencias ante el inminente mal. A su vez John Constantine ha congregado un grupo de ocultistas para intentar detener el desastre final, entre ellos están Dr. Occult, Zatanna, Sargon, Baron Winters, Zatara y Mento. El bien y el mal serán los últimos en decidir el incierto destino.

El #43 merece un párrafo aparte porque personalmente me parece de lo mejor que ha escrito Moore en su carrera. La poesía, el vuelo, el ingenio y la crudeza del guion se traducen en una lectura bellísima, tan estremecedora como alucinante.

El excelente y habitual tridente de artistas que forman Steve Bissette, John Totleben y Rick Veicht, ahora suman a sus filas a Stan Wotch y a Ron Randall en los dibujos, y por suerte ninguno baja la calidad que exigen los textos de Moore complementando un producto maravilloso.

Nunca me voy a cansar de leer Swamp Thing del mago de Northampton, un cómic imprescindible y de materia obligada para todo fan del noveno arte. Salud!

"Swamp Thing existe en el mismo universo que Superman, Batman, Wonder Woman y los demás ciudadanos del cosmos de los cómics de DC. Este enfoque tiene sus encantos y sus absurdos."

Alan Moore

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When the Wind Blows

La tierna pareja de ancianos conformada por Hilda y Jim Bloggs, disfruta de una apacible vida en su casa de campo en algún lugar de Inglaterra. Pero luego de que Jim recogiera en la biblioteca un folleto gubernamental con instrucciones para llevar a cabo en caso de un inminente ataque nuclear, su día a día cambiaría de la noche a la mañana. La terrible noticia del comienzo de las hostilidades llega por la radio y los jubilados empiezan la construcción de un refugio antiaéreo, siempre siguiendo las confusas órdenes del folleto, el cual se contradice con las que da el gobierno autónomo. Confiada en su experiencia pasada en la Segunda Guerra Mundial, la pareja deberá enfrentarse a las consecuencias atroces que les dejará por delante el bombardeo.

Con un claro, crudo y necesario mensaje antibélico, Raymond Briggs presenta en 1982 su gran novela gráfica titulada: When the Wind Blows. Publicada por Hamish Hamilton, la obra sacudió la opinión pública inglesa de la época, declarándose de suma importancia su repaso y difusión, a la vez que la crítica se rendía a sus pies. Cargada de diálogos gloriosos, páginas plagadas de viñetas y una paleta de colores que va desnudando sutilmente cada atmósfera que se presenta, el trabajo de Briggs nos sacude por su cruel realismo y nos va conduciendo hacia un final tan implacable como impactante, donde la tristeza y el dolor lo inundan todo. Durante 1983 el cómic fue llevado a versiones teatrales y radiofónicas. En 1986 tuvo su adaptación cinematográfica en un film animado dirigido por Jimmy Murakami, junto a una banda sonora que contó con figuras como Roger Waters, David Bowie, Genesis, entre otros.

Definitivamente When the Wind Blows es una lectura obligada para cualquier amante del noveno arte, pero también para cualquier persona con un mínimo grado de conciencia social, más aún en estos tiempos que corren. Chapeau!

"Estaba viendo un documental de Panorama en la televisión sobre planes de contingencia nuclear. Me afectó muchísimo, y pensé 'aquí está mi próximo libro'. Quería explorar qué podía hacer la gente si realmente hubiera un ataque nuclear. Estaba muy afectado por la propaganda del gobierno. Las autoridades fingían que no era tan grave, que era como la Segunda Guerra Mundial, pero ni en broma lo era. Quería que la gente supiera lo que implicaba, para que luego pudiera decidir." Raymond Briggs.

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The Infinity Gauntlet

En mayo de 1991 Marvel comenzó a publicar lo que sería su saga más representativa y una de sus pioneras, me refiero a: The Infinity Gauntlet. Constó de 6 números (más varios tie-ins), los cuales fueron escritos por Jim Starlin y dibujados por George Pérez y Ron Lim. La historia se desprende de Thanos Quest (1990) y su más directo prólogo en Silver Surfer #50 (1991), cómics que también estuvieron a cargo de la dupla Starlin/Lim. Después vinieron las secuelas The Infinity War (1992) y The Infinity Crusade (1993), más cuantiosos otros relatos relacionados que llegan hasta nuestros días y que siempre tienen a Thanos como protagonista. Un mundo de múltiples reediciones, elementos que fueron adaptados a video games, cartoons y la popularmente conocida "Infinity Saga" del MCU para la pantalla grande, se desprendieron de éste icónico cómic.

Luego de conseguir todas las Gemas del Infinito (Tiempo, Espacio, Mente, Alma, Realidad y Poder), como se pudo ver en Thanos Quest, el Titán loco se obsesiona con conseguir la aprobación de La Muerte, quien lo ignora y enfurece con su fría indiferencia aunque con un chasquido de sus dedos haya acabado con la mitad de la población universal en su honor. Influenciado por Mephisto, liberará una monumental batalla contra los personajes más poderosos de Marvel, incluso se las verá con deidades como The Watcher, Eternity, Kronos, Lord Chaos y Master Order, The Living Tribunal, Galactus, Enigmatic Stranger, Love and Hate y los Celestials. Pero nada logra parar al criminal venido en dios, Silver Surfer, Dr. Strange, Hulk, los Avengers, Spidey, Wolverine, su hermano Eros, hasta el mismísimo Dr. Doom y muchos más, harán todo lo posible para detenerlo sin éxito. Hasta que extrañamente el Guantelete va a parar en manos de su nieta Nebula y la aventura gire para colocar a Adam Warlock como el héroe definitivo de la trama.

El guion de Jim Starlin empieza muy bien, muy arriba y bien power, no obstante suceden dos cosas determinantes para que la obra se desinfle a partir de la mitad del #4. Una es que el autor comienza a perder el rumbo y toda la carne que tiró al asador en un principio se le quemó de golpe, dejando como resultado ideas finales muy traídas de los pelos. Y lo otro que acontece de manera negativa en The Infinity Gauntlet, es que se va George Pérez porque no llega con los tiempos de entrega luego de un laburo maravilloso en los primeros tres números, para dejarle así su lugar a Ron Lim (viejo conocido de Starlin), que cumple con lo justo aunque no le ata ni los cordones a lo realizado por Pérez, una lástima. Sin embargo más allá de eso, las intenciones de Starlin de que nuevas apariciones y conceptos de esta saga, aún hoy sigan vigentes, le funcionó, sobre todo para posicionar a su creación Thanos como EL villano absoluto del universo Marvel.

Hoy, 35 años después de su publicación, se puede seguir recomendando como lectura fundamental de la casa de las ideas, que no sé si le cambió o le cambiará la vida a algún lector, pero con todo el vendaval que significó su arribo al cine y las repercusiones que eso tuvo, el repaso de sus viñetas es algo casi obligado por su influencia y trascendencia.

"I am inevitable!"

“Le pregunté a Archie Goodwin cuántas Gemas del Alma había y me dijo que seis, así que le respondí: ‘Ok, seis, ¿qué vamos a hacer con ellas? No todas tienen por qué ser Gemas del Alma, no tiene sentido, así que a ver qué otros aspectos tiene la realidad’. Pensé en la Gema Alma, la Mente, Espacio, Tiempo y no me acuerdo que más… La historia se basó en esa idea tan sencilla, empezamos a trabajar sobre las personificaciones de la realidad. Juntarlas en un guante me pareció una buena idea porque quería que Thanos se hiciese con ellas, como ocurrió en Thanos Quest. Dije: ‘Pongámoslas en un guante’ y no pensé más en el tema. Cuando quisimos hacer algo más con la serie vi los dibujos de Ron Lim y dije: ‘Ok, llamemos al proyecto The Infinity Gauntlet’.” Jim Starlin

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Lucky Luke: L'Escorte

El terrible y temido forajido Billy the Kid, debe ser juzgado por sus fechorías, para ello tendrá que ser trasladado a Nuevo México. Sólo un valiente es capaz de escoltar al peligroso prisionero hasta su destino y ese audaz justiciero no será otro que el gran Lucky Luke! Atravesando pueblos del lejano oeste, los antagonistas protagonistas pasarán las noches acampando y también alojándose en hoteles o en la celda de algún sheriff. Un ladronzuelo de poca monta llamado Bert Malloy promete liberar a Billy, si este comparte una fracción de su botín a cambio, un botín por cierto inexistente. Entre divertidas correrías, los geniales comentarios de Jolly Jumper (el inseparable caballo de Lucky Luke) y las torpezas de los bandidos, nada saldrá como se esperaba, ni siquiera la supuesta condena que le iba a caer al pequeño Billy. Por suerte Lucky Luke sabrá como lidiar con tantos alborotos y llevar orden al final del día.

En 1966 se publicó el álbum #42 de Lucky Luke, el cual se tituló "L'Escorte" y fue editado por Dupuis. El guion estuvo a cargo de René Goscinny y los dibujos por parte de Morris, la imbatible dupla creadora de la historia que primeramente había sido serializada entre el #1380 al #1401 de la revista Spirou (1964). Esta aventura funciona como secuela de "Billy the Kid", el álbum #35 (1962) de Lucky Luke. Un relato clásico de la factoría del cowboy "más rápido que su propia sombra", donde la dinámica pluma de Goscinny es entretenimiento puro, junto a los maravillosos trazos de Morris conforman un cómic súper recomendable del noveno arte franco-belga. Una de las ediciones más recordadas en español fue la de Grijalbo/Dargaud de 1981, mientras que hoy en nuestro país se puede conseguir mediante los muy lindos tomos de libros del Zorzal. Hoy, 60 años después, se sigue disfrutando a pleno su lectura y eso se debe a la magia de sus inmortales autores y su infinito talento.

"I'm a poor lonesome cowboy..."

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KINGDOM COME, 30 años

Si los 80's en DC estuvieron marcados por icónicas joyas como Crisis, The Dark Knight Returns o Watchmen, los 90's fueron la década de Kingdom Come. La obra que lanzó al estrellato a Mark Waid y catapultó a Alex Ross como uno de los mejores dibujantes de todos los tiempos está cumpliendo 30 años. Hoy en El Bodegón repasamos este glorioso cómic que selló todo un hito ya hace tres décadas. "There were voices..."

Corría el año 1994 y el artista Alex Ross estaba en boca de todos después de haber deslumbrado a propios y extraños con Marvels, aquel gran relato que produjo junto a Kurt Busiek. Ahora el corazón DCista de Ross le pedía hacer algo para la editorial de sus amores, aquella que le había brindado horas y horas de lectura junto a sus superhéroes favoritos. La devoción del nacido en Oregon por DC lo había llevado a dibujar y crear personajes e historias que estaban a punto de ver la luz finalmente. Su fascinación por la Golden Age y Silver Age de la Distinguida Competencia lo inspiró a esbozar una aventura crepuscular titulada "The Heroic Age" y necesitaba un guionista tan amante del DC Universe como él, así surgió el nombre de Mark Waid para desarrollar conjuntamente el guion. De tal manera fue como nació Kingdom Come, una miniserie de 4 números publicada por DC en mayo de 1996 para su sello Elseworlds. La idea que comenzó como en joda imaginando lo que sucedería si las figuras ultra violentas de Image atacaran a los héroes clásicos de DC, esa fue la premisa para que Waid y Ross dieran rienda suelta a una catarata de conceptos que desembocarían en la majestuosa creación de Kingdom Come. Crítica extraordinaria al mercado del cómic de ese momento, una ópera prima para esta dupla que la tenía clarísima y que dejó obnubilados a los medios especializados. Con inspiraciones bíblicas, pasando por motivantes estéticas que van desde el manga, el punk, películas como Akira o The Crow y pintores como Norman Rockwell, estos cuatro prestiges son una carta de amor no sólo al mundo de los superhéroes, sino también a la cultura pop en general. En sus páginas hay infinitos reconocimientos a la industria comiquera, a la música, a la TV, el cine, etc. Desde cameos que tributan a The Beatles, Björk, Village People, Steve Miller, The Monkees, hasta referencias a Watchmen o Jerry Siegel y Joe Shuster. Esta inmensa ejecución tenía lugar para todos, para Spider-Man, Thor, Captain America, Doctor Strange, el Hall of Justice de los Super Friends, la Legion of Super-Pets, Phil Sheldon protagonista de Marvels, algo de X-Files y un largo etcétera. Porque si se viene el fin de los tiempos mejor que nos agarre a todos juntos.

El pastor Norman McCay ha perdido a su amigo Wesley Dodds y ha heredado sus visiones apocalípticas, entonces junto a The Spectre atestiguará cada terrible acontecimiento de la trama. Él está basado en la imagen de Clark Ross, el padre de Alex Ross y su apellido es un homenaje a Winsor McCay, el creador de Little Nemo. La vieja guardia de los héroes se ha retirado prácticamente de la acción y una nueva, violenta y descontrolada generación emergente de héroes domina el planeta. Sus métodos para impartir justicia son totalmente injustificables, liderados por Magog, terminan de cagarla cuando un holocausto nuclear en Kansas acaba con la vida de miles y miles de personas. Una Wonder Woman enceguecida por la guerra busca a Superman para que vuelva de su retiro pero nada, absolutamente nada será sencillo, menos cuando Batman, Lex Luthor y Captain Marvel entren en escena para empeorar aún más el dantesco panorama que se avecina. El libro El Apocalipsis es determinante por su simbolismo y alusiones en el cómic, algo que Waid sacó de la galera y sirvió para darle una vuelta de rosca aún más interesante al plot. Un detalle relacionado con ello, por ejemplo, es el impresionante hongo de la explosión nuclear formando una cruz que representa la ira de Dios. Sublime. Por otro lado está Superman que es el personaje principal y que está formidablemente escrito por Waid, con diálogos filosos e inolvidables, más una estética colosal donde se destaca la “S” de su pecho diseñada en honor a los hermanos Fleischer y que luego sería utilizada en la película del kryptoniano estrenada en 2025. El Hombre de Acero encuentra la redención y un nuevo camino hacia la fe gracias a las palabras de McCay, y si él no se ha rendido del todo obviamente nosotros los lectores tampoco y ese es un claro mensaje sobre lo que significa Sups para los fans. Su punzante relación con Batman y con Wonder Woman cierran muy bien, sobre todo esta última que rompe con el bodrio del romance que siempre mantiene con la infumable Lois Lane. El epílogo fue algo que hoy Ross considera innecesario aunque haya sido él quien lo propuso e impulsó en su momento.

Con respecto a los dibujos no alcanzan los halagos para describir el descomunal laburo de Alex Ross, pero sí se puede decir que ha sido lo mejor que ha hecho en toda su carrera indudablemente. En cada página, viñeta, en cada paisaje, rostro, anatomía, en absolutamente todo Ross deja la vida. No se entiende como un ser humano puede dibujar con ese bestial nivel de excelencia, no tiene explicación. Kingdom Come cosechó dos Eisner Award en 1997, uno por Best Limeted Series y otro por Best Painter/Multimedia Artist. También ese año se llevó tres Harvey Award, uno por Best Artist, otro por Best Comic Artist y un último por Best Limeted Series. Inigualable! Algunos modelos que usó Ross para crear sus formidables ilustraciones fueron Jill Thompson, Brian Azzarello, Steve Darnall, Mike Carlin, Tony Harris, entre otros.

Hubo dos "secuelas", “The Kingdom” de 1999 y el run titulado “JSA: Thy Kingdom Come” de 2007, pero ni por asomo se asemejan a la realización original. En 1998 salió un audiobook con dos cassettes con una gran calidad de sonido y una duración de tres horas. Más acá en el tiempo, en 2024 estrenó el documental "The Legend of Kingdom Come" dirigido por Remsy Atassy.

Hoy, 30 años después, seguimos insistiendo que Kingdom Come es una lectura obligada para el fan del cómic, el fan de DC y el fan de los superhéroes, pero sobre todo para el amante de las buenas historias que están contadas estupendamente y dibujadas con un arte soberbio e insuperable. Felices 30 magníficos años!

"Kingdom Come es una especie de proyecto que está destinado a tener un alcance épico, que a su vez está destinado a sentir que el mundo de los cómics y superhéroes ha llegado a un final culminante. Que tiene un sentido de importancia bíblica en los acontecimientos donde es la culminación de todo, toda su historia editorial, las vidas de todos estos personajes, sus viajes independientes, todo convergiendo en una historia culminante."

Alex Ross

"Todo comenzó cuando recibí un fax de parte del editor de DC Dan Raspler con unas escuetas notas y un borrador que Alex había hecho, junto con un puñado de bocetos de personajes. Pensé que aquello era algo fabuloso. Había material que hizo que de inmediato mi cabeza comenzase a dar vueltas."

Mark Waid

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Daredevil: Born Again, temporada 2

Acaba de finalizar la segunda temporada de Daredevil: Born Again y la experiencia ha sido majestuosa. Estamos frente a uno de los mejores productos de este 2026 indudablemente y el último episodio fue la frutilla de la torta. El show va de menor a mayor con el correr de los capítulos, hasta sacudirnos y mostrar frente a nuestras narices a un Kingpin totalmente sacado, desesperado y en modo psycho killer como nunca antes se lo había visto, interpretado por un Vincent D'Onofrio que se lleva todos los aplausos. Hay una clara bajada de línea que refleja en la calles de New York el abuso de las fuerzas especiales policiales (AVTF, Anti-Vigilante Task Force) manejadas por Wilson Fisk contra los civiles, algo como está sucediendo en EE.UU. con ICE y Donald Trump ni más ni menos. Es claro el mensaje que con la gente no se jode y que si la población despierta, ni un sorete como Kingpin puede salir ileso, aunque eso signifique la pérdida de varias vidas inocentes. En el medio mucha rosca política y un Daredevil que está dispuesto a sacrificarlo todo para que la paz y la justicia reinen finalmente. El regreso de Jessica Jones, interpretada por la siempre cool Krysten Ritter, es una vuelta de tuerca que garpa para lo que viene (¿vuelven los Defenders?) y la nueva postura de Karen Page como un personaje que se ha desarrollado muy bien suma a la blonda abogada, no sólo como alguien dispuesto a impartir justicia, sino también a estar preparada para cagarse a piñas con quien tenga ganas de hacerse el loco, bien ahí! El traje negro de Daredevil se ve excelente y en las escenas de acción lo vuelve súper comiquero, al igual todo lo que tiene que ver con Bullseye encarnado a la perfección por Wilson Bethel. La muerte de Vanessa Fisk (Ayelet Zurer la rompe con su actuación), es tan impactante como determinante y funciona como el disparador principal para que Kingpin, con todo su poderío como alcalde, vuelva un caos total a New York. Hay debate y análisis para rato, pero estas son algunas de las primeras sensaciones que tuve en este desenlace completamente abierto, que deja diversos caminos despejados y donde cualquier cosa puede pasar en el futuro. Pero si de futuro hablamos, Marvel Television y Disney pueden estar más que conformes porque la audiencia fue agasajada con una producción magnífica y la crítica así lo ha reflejado. Queremos más de Matt Murdock (qué grande Charlie Cox, cada vez más genialmente mimetizado con Daredevil!) y de Hell's Kitchen, porque realmente esta serie es buenísima en todo aspecto y los 8 episodios de su segunda temporada lo confirman con creces. Sus creadores Diario Scardapane, Matt Corman y Chris Ord ojalá nos sigan sorprendiendo con más Daredevil: Born Again un buen rato. No dejen de aplaudir!

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Husmeante

Un mundo distópico plagado de desigualdades, en dónde seres mutantes con malformaciones son apartados de la sociedad inescrupulosamente por el sistema, es el escenario principal de estas historias. Allí sobrevive el Husmeante, una especie de Humphrey Bogart que trabaja de detective y que por unos buenos mangos te pega un tiro con tal de cumplir su laburo. Amoral y sin principios, este sujeto es contratado por gentuzas de las más variadas (incluso mutantes), que nunca tienen buenas intenciones. En definitiva sus aventuras siempre acaban cuando logra encamarse con alguna mujer o descorchando una bebida espirituosa, mientras pronuncia algunos de sus pesimistas latiguillos como "ufa" o "siempre lo mismo", a modo de desenlace.

El fin de la dictadura militar argentina y de la Guerra de Malvinas, marca la soltura en los guiones de Trillo en Husmeante, donde la bajada de línea en cada entrega está trazada por temas como la política, el sexo, la violencia y la inequidad social. Cada capítulo cuenta con la cualidad de cerrar muy bien en poquitas páginas, de manera sólida y entretenida. El sostén que aportan los magníficos trazos de Mandrafina eleva la obra a un nivel de atractivo asombroso y se mantiene como una verdadera joya de la genial y fructífera dupla Trillo/Mandrafina.

La colección comenzó a publicarse de forma serializada en la revista para adultos "Don" en 1983, donde llegaron a salir 6 episodios. Más tarde, entre 1984 y 1985, vieron la luz 3 más en la revista Fierro. Hubo un tomo recopilatorio por parte de Doedytores y más recientemente llegó a las comiquerías nacionales gracias a Historieteca (2025), junto a un material extra de primera. Un imperdible de la historieta argentina.

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Spider-Man and Superman, 1981

Después del gran éxito que significó "Superman vs. The Amazing Spider-Man" de 1976 (reseña disponible en este perfil y en nuestro Blog), el segundo encuentro entre el trepamuros y El Hombre de Acero era una cuestión de tiempo que sucediera. Así que cinco años más tarde se reunió a un vasto grupo de artistas para llevar a cabo dicha misión. El guionista, en un principio, iba a ser Marv Wolfman quien tenía varios conceptos ya listos y programados para el plot, pero como no renovó su contrato con Marvel y se fue para DC, se quedó fuera del proyecto que esta vez sería publicado por la casa de las ideas. La obra estuvo a cargo entonces de Jim Shooter, que consecuentemente se apoyó sobre diversos planteamientos que había propuesto Wolfman (que aparece en los créditos del cómic), en los dibujos John Buscema y un ejército de entintadores: Terry Austin, Klaus Janson, Bob McLeod, Al Milgrom, Steve Leialoha, Walt Simonson, Bob Layton, Joe Rubinstein y Bob Wiacek. Tranqui. El encargado de la portada fue John Romita Sr. con tintas de Bob Larkin. Problemas de fechas de entregas y algunas rispideces de por medio que debieron resolverse, devinieron que el 28 abril de 1981 saliera a la calle finalmente el Marvel Treasury Edition #28. Ahí, la historia titulada "Spider-Man and Superman: The Heroes and the Holocaust!", reunía nuevamente a los dos paladines más importantes de la industria del cómic.

A través de un mega plan que consiste (obviamente), en conquistar el mundo, el Dr. Doom aliado con Parasite, capturan a Hulk y Wonder Woman para robarles sus poderes y poder llevar a cabo sus maléficas intenciones. El único oponente real que puede parar esto es Superman, que con la ayuda de Spidey se darán maña para que el bien triunfe. Mientras, la aventura repartirá acciones entre Metropolis y New York, a su vez el staff del Daily Planet y el Daily Bugle viven en una sitcom de cuarta totalmente innecesaria, sin gracia, ni sentido. Y la verdad que no es mucho más que esto.

La trama que plantea Shooter es buena pero está escrita horrible, sin ritmo, de manera densa, con obscenos kilos y kilos de textos que sólo conducen al aburrimiento total. Por suerte los clásicos y prolijos dibujos de Buscema se la re bancan y vuelven a este bodrio, al menos desde el apartado artístico, un poco más aceptable. Lejos está de su antecesor, que con apenas un poquito más, le saca varias cabezas de ventaja. ¿Se lo recomienda? Y, si te gusta el laburo de John Buscema, es una linda oportunidad de ver a los dos héroes más grosos de Marvel y DC bajo su pluma, pero si eso no te vuelve loco, podés pasarlo de largo. Como coleccionista, más aún que en este 2026 estamos en pleno boom de nuevos cruces entre Superman y Spider-Man, está bueno recordarlo y darle una releída, tal vez te engancha pero hay que meterle muchas ganas. Hoy, 45 años después, cuesta desempolvarlo, así que feliz aniversario y a la cucha!

"Yo era el único guionista de Marvel que había escrito tanto Superman como Spider-Man. No tenía mucho tiempo libre, pero tampoco lo tenían los demás candidatos principales. Así que acepté el proyecto. DC no puso ninguna objeción. Inspirándome en algunos de los conceptos que Marv y yo habíamos comentado, escribí un argumento y se lo presenté a Joe Orlando para su aprobación. Casi exactamente cuatro meses después de haber entregado el guion, cuando finalmente me volví implacable, insistente y un poco amenazante, Joe me contactó. Su respuesta fue: "De acuerdo". El guion fue aprobado, sin comentarios." Jim Shooter 

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